lunes, 19 de octubre de 2009

Pantaleón y las Visitadoras - PLENA DIVERSION

SINOPSIS Pantaleón Pantoja es un militar recto, sin vicios, felizmente casado, honrado, trabajador, recto, metódico y altamente disciplinado a quien la alta cúpula militar del ejército peruano le encomienda una misión que requiere la más absoluta de las discreciones: suministrar prostitutas a las tropas diseminadas en la selva Amazónica. Específicamente en la zona de Iquitos (una ciudad selvática cercana a las fronteras de Brasil y Colombia). Este servicio de "visitadoras" (eufemismo por "prostitutas") tiene como propósito aplacar los fogosos ímpetus libidinosos de las tropas y por consiguiente impedir la comisión de las frecuentes violaciones en la zona. Como trabajador obsesivo y excelente administrador, El capitán Pantoja hará del servicio de visitadoras el organismo militar que mejor funciona. No sin antes ser extorsionado por un influyente locutor radiofónico del lugar que se encarga de divulgar la misión, ocasionando así la deshonra social para el conjunto del orden castrense.

La historia fue llevada al cine por el propio escritor en año 1975, cosechando un rotundo fracaso. Siendo superado posteriormente por la versión Francisco Lombardi (Muerte al amanecer, La ciudad y los perros, La boca del lobo) en el 1999, y es en 2009 que por primera vez se lleva a un escenario de la ciuadad de Nueva York.

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No importa cuán conocedor o no se pueda ser de la novela homónima de Mario Vargas Llosa, ésta producción de Repertorio Español de Pantaleón y las Visitadoras hace honor (a su manera) al ingenio del autor.

Con una adaptación de Verónica Triana y Jorge Alí Triana cuyo logro principal radica en la sencillez del acercamiento y la simplificación de la historia, centrándola en el personaje de Pantaleón y desarrollando una sola línea argumental: el cumplimiento de la misión con sus absurdos, sinsabores y consecuencias.

Pantaleón y las visitadoras, es una sátira feroz que embiste frontalmente contra el sistema: ejército, poder político, la moral y un largo etcétera. Como suele suceder en las sátiras, el humor negro y la crítica ácida no distinguen objetivos y meten en el mismo saco las injusticias sociales, los abusos militares, la religión y la moral.

El maestro Jorge Alí Triana (Crónica de una muerte anunciada, La Fiesta del Chivo, Doña Flor y sus dos Maridos) vuelve atacar con mordacidad y creatividad el género literario estampándolo con su estilo personal y luciéndose al brindarnos una pícara y divertida comedia que integra canciones y bailes en su propuesta total. No es una producción comparable con sus trabajos anteriores, pero sin duda es una muy entretenida. Y esto debido en gran parte a la contagiosa música del cantautor Andrés Cabas cumpliendo excelentemente con su propósito dentro de esta obra teatral.
Mención aparte para la efectiva coreografía de Sunilda Caraballo. Simple y sin intrincamientos; complemento perfecto al trabajo de Triana.

El diseño de producción de Roberto Weber Federico, aunque nada tenía que ver con la selva Amazónica le brindó a esta puesta un toque festivo distintivo. Lo único que lamento es que en varias ocasiones la mucha intensidad de su iluminación impidió que las proyecciones de video de Alex Koch no se apreciaran en su totalidad, provocando que el video fuera una distracción innecesaria o formas decorativas sin un propósito claro.

En cuanto las actuaciones, Anthony Álvarez sale airoso en su interpretación de Pantaleón Pantoja, el actor logra conectarnos con el turbulento estado mental en que se encuentra su personaje. Destacándose los momentos en que intenta oponerse a esa pasión que le consume. Desafortunadamente la química entre Álvarez y Denise Quiñones (La Brasileña) es inexistente. Quiñones llena el escenario con su belleza pero se queda corta en la interpretación de una prostituta cuya sensualidad y sexualidad hacen explotar los instintos animales de un hombre de "ley" como Pantoja. Los demás actores y actrices cumplieron cabalmente el ensamblaje de este bacanal de prostitutas y soldados lujuriosos llamado "Pantilandia”. Sobresalen las excelentes actuaciones de Ricardo Barber, Marcelo Rodríguez, Mónica Pérez Brandes, Modesto Lacén y Selenis Leyva.

Definitivamente un trabajo divertido, irreverente y sobre todo bien hecho. Un logro comercial más para Repertorio Español. ¡Plena diversión!

martes, 6 de octubre de 2009

Una SALSA GORDA alucinante y provocativa


SINOPSIS - DANIEL CUEVAS, fotógrafo y amante del género de Salsa, ha muerto; y con su muerte se inicia una madeja que envuelve a su compañera MARIME ZAYAS, una joven aristócrata que en contra de las expectativas de sus padres se envuelve en una relación amorosa él. Es su mejor amigo LUIS MARRERO quien intenta descifrar lo ocurrido en los últimos días de vida de DANIEL. Con éxitos musicales del Gran Combo de Puerto Rico, Ismael Rivera, Pellín Rodríguez, Andy Montañés, Rubén Blades entre otros, se sumerge esta historia que envuelve temas como las diferencias de clases, la búsqueda de la verdad, la infidelidad y el amor a la Salsa.
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El viernes 2 de octubre, en el Teatro Pregones localizado en el vecindario de los Yankees (en el Bronx) pude presenciar un equipo de talentosos artistas anotándose un HOMERUN a ritmo de SALSA.

Llegué al teatro con una idea preconcebida de lo que era la obra. La había leído en los días previos, y para ser honesto, tuve dudas de viajar hasta el Bronx un viernes en la noche a presenciar un texto denso que aunque a nivel dramatúrgico es interesante; fácilmente podía traducirse en un desastre escénico. Pero la curiosidad de ver que nos ofrecía ésta nueva diáspora de artistas puertorriqueños pudo más. Lo que agradezco infinitamente.

El dramaturgo puertorriqueño José Luis Ramos Escobar descompone los azares de la clásica historia de la niña nacida en cuna de oro que se enamora de un hombre de barrio utilizando como base la fusión tiempos. Su obra (enmarcada en el Puerto Rico de los años 80), como literatura es rica en imágenes y giros lingüísticos. Pero como pieza para ser representada cuenta con una estructura rebuscada en sus parlamentos que en ocasiones impide el acercamiento directo del público con los personajes y sus problemáticas. Además de adolecer del uso de localismos dónde muchos de los parlamentos de gran impacto en el público puertorriqueño, no tienen significado alguno para el que no lo es.

No obstante esta producción de Nueva Escena cuenta con elementos que sobrepasan éste y otros detalles no tan afortunados debido a la alucinante y provocativa versión del director Mario Colón. Un laberinto de recuerdos que eleva el texto sorprendiendo en cada paso del discurrir escénico. Colón trasforma el texto de Ramos Escobar exhibiendo manipulación de la forma para contar un hecho. Introduciendo al espectador a una zona en donde las certezas se terminan y comienzan a regir las reglas de un universo extraño. Con una poética clara y accesible nos lleva en un arriesgado viaje de sombras, imágenes y música (apoyado por una interesante selección musical de éxitos salseros de los años 70s y 80s) en el que explora la economía de recursos en el escenario con visión certera.

Cada vez son más los directores que recurren a la utilización imágenes proyectadas para complementar sus propuestas escénicas. Riesgo que puede distanciar al espectador de la acción y el trabajo actoral. Esto no ocurre en Salsa Gorda. La hábil integración de elementos visuales complementa satisfactoriamente la historia. Un decorado sencillo y funcional diseñado por Julio Ramos y eficazmente iluminado por Alberto Segarra, la excelente calidad visual de videos a cargo de Jorge "Fish" Rodríguez y fotografías de Migdalia Luz Barens hacen que esta Salsa Gorda sea una experiencia que sacude los sentidos.

Pero todo esto es el andamiaje que nos lleva a la principal estrella de este trabajo: Modesto Lacén. Él es Salsa Gorda. Su trabajo como actor es el motor que mueve todas las piezas de esta producción. Su fotógrafo amante de la salsa (DANIEL CUEVAS) está bordado a la perfección. Con una sorprendente limpieza de movimientos y dominio de la voz que nos toca de manera íntima y conmovedora. Me atrevo a decir que con ésta interpretación se consagra sin duda alguna como uno de los mejores actores puertorriqueños en el panorama de nuestro teatro latino actual.

Su contraparte Jorge Dieppa (LUIS MARRERO) ofreció una interpretación comedida con la que cumplió muy bien su labor de lazarillo de Daniel. Tal vez mayor estamina le hubiera ayudado a lograr una interpretacion consistente que balanceara la intensa avalancha de emociones que Lacen transmitía.

Laura Buttler (MARIME ZAYAS) tuvo momentos de total brillantez gracias a un preciso lenguaje corporal del que hacía gala durante los momentos en que se transformaba de tiempo y espacio. Desafortunadamente Buttler confrontó dificultad conectando totalmente con Marimé. Por momentos se notaba incómoda en su caracterización. Necesitando una intensidad mayor que pudiera sostener el “símbolo” o “estereotipo” que el personaje exigía.

Por otra parte la rebuscada coreografía de Luis Salgado (una mezcla entre baile moderno y salsa), aunque interesante y bien ejecutada, careció de la calle necesaria para establecer la conexión con el personaje principal. Y como dice el mismo autor en su texto: "La salsa es de calle, tiene olor a tierra y a sudor, y es la alegría del dolor y la melancolía de la risa, poesía del pueblo".1 Aún así los bailes fueron disfrutables, debido en gran parte a un vibrante grupo de bailarines de primer orden: Mariana Cardenas, Holly Clark, Cindya Davis, Michael Fielder, Joamer González, Tamara Van Leeuwen y José-Luis López.

EN RESUMEN: Esta producción de Modesto Lacén y Mayda Grano de Oro para Nueva Escena contó con todos los elementos que hacen que el teatro sea una experiencia que trasciende. Aunque con detalles que afinar, es un regalo ver la sabiduría y la entrega de este grupo de creadores en armonía teatral. ¡Enhorabuena!
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  1. El texto original del Dr. José Luis Ramos Escobar puede ser adquirido de forma gratuita en el website del CELCIT: Dramática Latinoamericana de Teatro/CELCIT N° 62 bajo el título SALSA GORDA (Homo Primus) o en http://www.librosorevistas.com/r/ramos-escobar-jose-luis-salsa-gorda-teatro-pdf.html

CREDITOS DE PRODUCCION

AUTOR: José Luis Ramos Escobar
DIRECCION: Mario Colón
COREOGRAFIA: Luis Salgado
PRODUCCION: Nueva Escena
DISEÑO DE LUCES: Alberto Segarra
DISEÑO DE ESCENOGRAFIA: Julio Ramos
FOTOGRAFIA PROJECTADA:
Migdalia Luz Barens Vera
VIDEO Y EDICION: Jorge “Fish” Rodríguez

INTERPRETES

DANIEL CUEVAS - Modesto Lacén
MARIME ZAYAS - Laura Butler
LUIS MARRERO - Jorge Dieppa

RED SHADOWS

Mariana Cardenas ■ Holly Clark ■ Cindya Davis ■ Michael Fielder ■
Joamer González ■ Tamara Van Leeuwen ■ José-Luis López


Asistente del Director: Carlos Camacho
Asistente del Coreógrafo: Afra Hines
Asistente del Coreógrafo: Heather Hogan
Asistente del Diseñado de Luces: Caridad Del Valle
Asistente de Producción: Daniel Irizarry & Iván Camilo
Diseño Gráfico: Mayda Grano de Oro
Relaciones Públicas: Soldanela Rivera
Derechos de Música: Martha Cancel
Traducción para supertítulos: Lynette Salas




viernes, 31 de julio de 2009

Entre el asombro y la vergüenza: Boogie Rican Blvd., The Musical

ESCRITA Y PROTAGONIZADA POR: Caridad De la Luz
PRODUCCION: De la Luz Inc.
DIRECCION: Nelson Vásquez
MUSICA: William Cepeda

INTERPRETES
Dimitri Minucci
Patricia Marte “PattyDukes”
Amílcar Alfaro-Mrtell “RephStar”
Alejandro Pagán
Carina De La Luz-Vazquez

SINOPSIS (Incluída en el programa de mano): La familia de un bodeguero luchas entre la tradiciones Latinas y los valores de los días moderno enseñados en las calles de “Boogie Down” Bronx. En el Boogie Rican Blvd. en el Bronx, NY es donde la familia Pacheco y su colorida colección de amigos examinan la vida, aman y lamentan entre bailes y ritmos del Caribe y del Bronx. Boogie Rican Blvd. explora problemáticas como: abuso infantil, drogadicción, gay bashing, embarazo adolescente y abandono; de una manera que te toca e inspira. Cada uno es bienvenido aquí, y después de que una visita que usted entenderá.
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Son pocas las veces que voy al teatro y al terminar salgo decepcionado. Y las veces que me ha ocurrido le busco la parte positiva a la experiencia. Siempre hay un actor o actriz que salva la noche, el texto es interesante o es una idea llevada con honestidad, el director tiene una propuesta dinámica que me mantiene conectado… O le doy un acercamiento técnico y pongo atención al sonido, el vestuario, las luces o la escenografía. Tengo que confesar que lo que me ocurrió el jueves 23 de julio en el Puerto Rican Traveling Theater mientras asistía a la producción Boogie Rican Blvd., nunca me había ocurrido.

Llevo debatiendo varios días sobre la forma en que expresaría mi punto de vista sobre ésta producción de De La Luz, Inc. y les confieso ha sido muy difícil. Porque lo único que vale la pena de ver en este espectáculo es responsable de que el mismo sea un desastre. Me explico:

Caridad De La Luz (Autora y Protagonista) conocida como “La Bruja”, es sin duda alguna un talento extraordinario. Con su capacidad de transformación y su presencia escénica se adueña descaradamente del escenario. Y ese es el problema. Ella conoce los personajes que interpreta, ya que son parte de su repertorio. Conoce como piensan y desde ese punto de vista, De La Luz falla. Si nos hubiera presentado “Una noche con La Bruja y sus personajes”, sin duda alguna nos habría hipnotizado con su trabajo.

La idea de hacer un musical no es descabellada si tomamos en cuenta la diversidad de los personajes que componían su trabajo. Eso daba la posibilidad de establecerlos con diferentes ritmos. Es importante recordar que uno de los aspectos principales de un musical es la lírica. Y en este caso: ¡Oh my God! Definir las letras de Boogie Rican Blvd. es imposible. Cada vez que comenzaba una canción la cara de perplejidad de muchos de los presentes era realmente “el espectáculo”. Willian Cepeda (un músico con experiencia) no logró salvar con sus composiciones este trabajo que sucumbió desde la primera nota.


¡Señores, ES UN MUSICAL! Requiere un elenco que actué, cante o al menos entone. Sólo uno de los integrantes del elenco Dimitri Municci, tenía obviamente un entrenamiento formal en canto y actuación y el pobre no se salvó de ésta debacle. Un desperdicio de talento. Los otros, Amilcar Alfaro-Martell y Patricia Marte, según el programa tienen experiencia dentro del mundo del hip-hop y pueden ser muy buenos en su género, pero no aportan nada a la escena teatral. Los restantes del elenco son los jóvencitos: Alejandro Pagán y Carina De La Luz-Vázquez. Cada vez que decían una línea o se atrevían a cantar, quedaba totalmente estupefacto. El escenario no es un “playground”. Se le debe respeto al público que apoyamos y pagamos por su trabajo. Ya mencione en otra ocasión que creo que es importante dar oportunidades a los talentos jóvenes pero todo tiene un límite.

Si al menos la autora-productora, ya que nos sometía a ver y escuchar todos los clichés sacados del peor melodramón de televisión, hubiera seleccionado a un director competente que con su creatividad creara al menos un espectáculo sencillo pero digno… Y escogió a Nelson Vásquez. Cuya biografía incluída en el programa recalca a la saciedad su experiencia como actor de cine y su trabajo junto a prominente directores de ese género como: Spike Lee o Martin Scoresese; dan un largo listado de las películas y serie de televisión en las que a participado pero ninguna mención como director teatral. De hecho las menciones de a su participación en teatro la hacen como actor en las obras: Barefoot Boy with Shoes On (1999), Clean (1997), Blade To The Heat (1994) y como productor y autor de: Da Spanish Mob(2001). El señor Vázquez demostró no tener idea de lo que estaba haciendo. Un trabajo que no se puede catalogar de amateur. Es otra cosa.

Lo interesante del caso es que en una entrevista publicada en el Daily News; De La Luz, haciendo referencia a: In the Heights, el musical premiado de Lin-Manuel Miranda, mencionó que no la había visto. “A propósito” –dijo. “No quería estar influenciada por él… Quería que fuera puramente mi visión”. Esto fue una mala decisión. Si lo hubiera visto al menos podía aprender de Lin-Manuel Miranda, cómo se fusionan los ritmos latinos con el hip-hop y de Quiara Alegría Hudes (quien escribió el libreto de la reconocida obra) como se ensamblan personajes urbanos en una historia.

Al inicio de mi nota dije que son pocas las veces que voy al teatro y al terminar salgo decepcionado. En esta ocasión la decepción fue tal que salí corriendo mientras cantaban la canción que terminaba el primer acto… Un espectáculo vergonzoso.

NOTA DE CIERRE: No hay nada de malo en reunir a un grupo de amigos y hacer una “obrita” para entretener una reunión familiar y de paso “poner a la nena a actuar y cantar” frente a los vecinos del barrio. Aclaro: No hay nada de malo en eso. Al contrario es bueno que se estimule la vena artística y que los amigos pasen un buen rato. Pero cuando hablamos de poner ese showchito en una sala Off Broadway (El Puerto Rican Traveling Theater) o en cualquier sala seria y atreverse a cobrar $45, $40, $25, $20 eso es faltarle el respeto, al público, al teatro y los artistas que han estudiado o a los que al menos tienen talento.

FICHA TECNICA: PRODUCCION: Caridad De La Luz ■ JEFE DE UTILERIA Y ASISTENCIA PERSONAL PARA CARIDAD DE LA LUZ: Melanie LaTorre ■ ASISTENTE DE PRODUCCION: Kelson De La Luz-Vazquez ■ LUCES: Billy D. ■ ESCENOGRAFIA: Manoli Galanakis ■ CONSTRUCCION DE ESCENOGRAFIA: Con Limón/One Shadow Producers ■ UTILERIA: Lidia Zambrano ■ SONIDO PROVISTO POR: A/V Group ■ SONIDO: Monica Colón y David Monroy ■ COREOGRAFIA: Nilsa De La Luz ■ ENTRENADOR VOCAL Y MAQUILLAJE: Dimitri Minucci

Pueden ver la entrevista a Caridad De La Luz publicada en el Daily News en:
http://www.nydailynews.com/latino/2009/07/01/2009-07-01_boogie_rican_blvd_joins_the_chorus_.html

miércoles, 29 de julio de 2009

Marañao, Inc. y el compromiso por un teatro de calidad: De Hombre a Hombre


OBRA: De Hombre a Hombre
AUTOR: Mariano Moro (Argentina)
PRODUCCION Marañao Inc.
LUGAR: Teatro Sea del Centro Cultural Clemente Soto Vélez, New York


INTERPRETES
Josean Ortiz
Néstor Carrillo

DIRECCION
Josean Ortiz

SINOPSIS (provista por la producción): Un profesor carismático intenta agradar a sus alumnos, hasta que despierta una admiración especial en uno de ellos. Precisamente en el más contestatario, el que refuta y cuestiona. Sus almas, lo que dicen y lo que les pasa a uno con el otro son lo que más importan en esta obra teatral. El contrapunto está puesto entre la dialéctica existencial del alumno y el dogma cristiano del profesor. Dos estados de necesidades y de cambios hormonales que se involucran y necesitan. Son dos fuerzas de choque que acaban siendo una sola. El profesor entra al aula, mira a sus alumnos –el mismo público- y da inicio a la clase. Desde el comienzo, se ufanará de su cultura y menospreciará lo poco que sus alumnos saben de historia o literatura. Los desafiará con su notable conocimiento, como una forma perversa de erigirse en amo y señor, será encantador y desagradable a la vez, seducirá constantemente con sus tonos de voz y sus mohines, pasará del humor a la arrogancia, se jactará hasta de lo bonitas que son sus piernas y recitará sin ambages a Walt Whitman. Pero, quizás sin quererlo, se dejará seducir por un alumno que llama su atención desde la primera clase. El alumno es extraordinariamente inteligente y encantador, no piensa dejar pasar ni una frase ni una reflexión con la que no esté de acuerdo, siempre la refutará, y lo hará con bases sólidas, dejando a veces sin habla al jactancioso profesor. Es absolutamente seguro, inteligente, rápido, valiente, y no trepida en imponer su punto de vista con argumentos que nada tienen de pueriles. Reconoce y admira a su maestro, cae subyugado y es claro que lo ama. DE HOMBRE A HOMBRE es la historia de un amor que no debiera ser, y sin embargo...es.

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El producir teatro en Nueva York es sumamente difícil. Y más cuando hablamos de teatro en español en el que llevar público a las salas es una tarea maratónica. Marañao, Inc., capitaneada por Josean Ortiz es uno de eso grupos independientes que deciden arriesgarse ofreciéndonos nuevos textos y (dentro de los recursos) un sentido palpable de responsabilidad teatral.

En esta ocasión nos traen: “De hombre a hombre” del dramaturgo argentino Mariano Moro. Una pieza excelentemente escrita; en la que el autor propone un relato cargado de humor e interesantes juegos de palabras, sutiles ironías, y una aguda crítica a la política, la iglesia, y la educación; todos en el medio de los conflictos generacionales. El autor, quien ha construido una voz propia en la dramaturgia argentina actual; es también actor y director, además de poseer una Licenciatura en Psicología. Esa preparación se palpa en la construcción de sus complejos personajes y su profundo conocimiento de los secretos de la teatralidad. Conoce muy bien la psiquis de estos y sabe cómo afectarnos con ella. Moro, originario de la ciudad de Mar del Plata, ganó con ésta pieza, el Concurso Festival Visible para Obras Dramáticas organizado por la prestigiosa organización española: SGAE (Sociedad General de Autores y Editores) y la Fundación Autor.

“De hombre a hombre” es una historia que como su propio autor indica, “tiene su origen en un profesor que se desvive por agradar a sus alumnos y que despierta en uno de ellos más de lo que esperaba. Éste amor podría ser platónico, si ambos quisieran o pudieran mantenerlo a raya. No es el caso...” 1

En condiciones ideales la sala del Teatro SEA era la sala perfecta para este trabajo. Lo íntimo del espacio nos convertía en un personaje más de la historia además de hacernos cómplices de la relación errónea que presenciamos. Pero en una sala como esa las exigencia actorales son mayores ya que el público ve de cerca las fortalezas y debilidades de los intérpretes. Desgraciadamente esto último se convirtió en el talón de Aquiles de la producción de Marañao,Inc. en la que se hacía evidente el desbalance actoral.

Josean Ortiz (El Profesor) es un actor probado que llena el espacio con su potente voz. Nos obsequió con un trabajo impecable, convincente y lleno de meticulosas sutilezas. Su Profesor, inicialmente prepotente, va con el transcurso de la obra pasando a ser algo más humano, a mostrar sus quiebros. Como cuando admite que le cuesta luchar contra el brillante discípulo, hasta que se derrumba tras la amenaza de éste. El control de su personaje se manifiesta principalmente en los momentos en que se dirige a los presentes haciéndonos parte de su alumnado. Verlo de cerca trabajar es definitivamente un regalo.

Desgraciadamente este no es un unipersonal, requiere a dos actores que establezcan un lazo emocional entre ellos y puedan controlar el diálogo de Moro. Ese lazo emocional no estaba allí. Y esto, se debe principalmente al poco dominio escénico de Néstor Carrillo en el papel de Andrés (El Alumno). Su afectada y forzada interpretación no permitía la fluidez del intercambio entre ambos personajes. Eso hacía que la dirección escénica de Ortiz se percibiera desarticulada. En ocasiones parecía que estuviéramos ante dos obras diferentes en un mismo escenario. Una cerebral y metódica, la otra cargada de estereotipos y clichés. Y es lamentable porque el texto cautiva por su preciso uso de las palabras. Requiere precisión para que exista el duelo de las ideas que no se logra por la no-conexión entre los interlocutores. En una entrevista publicada en madridiario.es el autor explica que la obra “surgió por las ganas que tenía de trabajar con los dos actores que pensé para el proyecto y a quienes había visto ya trabajar juntos”.2 Eso es una reafirmación a mi punto. El autor quería facilitar la conexión de los personaje aprovechándose de la dinámica establecida previamente entre los actores. Una pena que en esta puesta en escena esa conexión no se da. Quiero hacer claro que creo en dar oportunidades a talento joven, pero hay que saber seleccionar los vehículos correctos de acuerdo a los talentos y reconocer que todo el mundo no esta hecho para estar en un escenario.

Aún así es obvio que Marañao, Inc. intenta proveer a la audiencia Latina de Nueva York un teatro de calidad. En esta ocasión, aunque todas las piezas no ensamblaron como deberían nos ofrecieron una produccion digna, un maravilloso texto y una actuación de Josean Ortiz admirable. Aplaudo su compromiso.

En conclusión: esta producción de Marañao, Inc., de la obra: “De hombre a hombre” del argentino Mariano Moro nos deja el sabor de algo que debería ser y sin embargo en este momento… no fue.


1.
http://www.sgae.es/tipology/notice/item/es/30935.html
2.
http://www.madridiario.es/2008/Julio/madrid/madcultura/85457/mariano-moro-estreno-madrid-hombre.html


Luego de las funciones en Nueva York, este montaje irá a Miami y Puerto Rico durante el próximo mes de Septiembre.

domingo, 12 de julio de 2009

Una mirada a la excelencia: Barceloneta, de noche



En ocasiones uno va al teatro con las expectativas muy altas; ya sea por la influencia de alguna crítica o porque has escuchado a varios amigos hablar maravillas de un espectáculo… Esto último fue lo que me sucedió con Barceloneta, de noche de Javierantonio González. Los constantes “Tienes que ver ese trabajo…” o “Ese muchacho es muy bueno”; hicieron que el pasado sábado 11 de julio me encaminara al Segundo Festival “Performing Arts Marathon” presentado por Teatro IATI.

Nada de lo que me dijeron fue comparable a la experiencia recibida. No hubo tiempo de reaccionar. Caborca, un grupo que se define a sí mismo como “Ganga”, me atacó por sorpresa y me llevó en un viaje absurdista, erótico e hilarante.

En total confabulación, este dinámico grupo nos brindó una historia de secretos, amores clandestinos, calenturas, un Nazi, una hija ilegítima, una estatua que atormenta, placer por la carne, un viaje en patines por una autopista, sexo por dinero, noche loca en la capital y un intercom para bebés… todo esto en el marco un pueblito llamado Barceloneta en el área norte de la isla de Puerto Rico.

Javierantonio González, no solo es un talentoso director sino que como un dramaturgo se establece como una fuerte voz del teatro contemporáneo puertorriqueño. Su pieza Barceloneta, de noche es lo que podría llamar la excelsa definición del kitsch puertorriqueño. Una dramaturgia inteligente con la marca isleña que trasciende a todo público. El que conoce la isla del encanto disfruta las referencias culturales y el lenguaje salpicado de modismos; los que no, pueden apreciar la trama o ésta madeja de secretos con personajes meticulosamente definidos. Todos, absolutamente todos los actores saben lo que están haciendo en escena. Ricardo Hinoa con un Federico comedido y bordado a la perfección; Tania Molina dominando el ritmo escénico con su Brina intrigante y calculadora; Jorge Luna (aunque en ocasiones over the top) le da a Camilo la suficiente rebeldía y calentura que mueve los motores de la trama; Yaremis Félix sobrepasa el llevar una peluca blanca blanquísima al mostrarnos una Marlene Dietrich en control y presencia que intimidan; Marcos Toledo y su Bruno (el profesor de alemán) arranca las carcajadas del público con sus honestas y “aparentemente absurdas” intervenciones; Luis Alberto González siembra en su jardinero Jorge la angustia necesaria ante el disfrute de lo “prohibido”; lo único que lamentamos de su interpretación es la carencia en ocasiones de mayor articulación y David Skeist pinta a Hanz con adorable repugnancia.
Barceloneta, de noche es sin duda, una digna representación de lo que es teatro del bueno. Lo dicho, un grupo que sabe lo que está haciendo. ¡Felicidades Caborca!


Barceloneta, de noche


Autor/Director:

Javierantonio González


Regiduría de escena/Diseño de luces:

Erin Koster

Elenco:

Yaremis Félix
Luis Alberto González
Ricardo Hinoa
Jorge Luna
Tania Molina
David Skeist
Marcos Toledo

sábado, 4 de julio de 2009

Festival de Teatro Cubano en un Acto


Recientemente se presentaron dos importantes festivales de teatro latino en la ciudad de Nueva York. El TeatroStageFest (con grupos invitados de Argentina, Chile y España), además del Primer Festival de Teatro Cubano en un acto, este último una producción de Teatro Retablo contó con la participación de importantes personalidades del quehacer teatral cubano en los Estados Unidos.

La energía en los espectáculos a los que pude asistir era contagiosa. Se palpaba que había disfrute, placer en llevar al público neoyorkino trabajos de calidad.

Comenzaré con el Festival de Teatro Cubano en un acto celebrado en el marco del Congreso de Teatro Cubano auspiciado por el Centro Cultural Cubano de Nueva York. Durante cuatro días este nos trajo 5 obras de autores cubanos presentados por grupos locales y compañías de Miami en el Roy Arias Theatre en Times Square, Manhattan. El jueves 25 de junio, (con sala repleta) pude presenciar 3 de las 5 obras.


La primera: El cuento de René de René Ariza llevado a escena por el grupo Arca-Imágenes (Miami), dirigida por Larry Villanueva; quien también actuaba junto a la actriz venezolana Alexa Kuve. Un cautivante trabajo, con dos grandes actores que hipnotizaron al público con su dominio escénico. El texto de Ariza, simple en esencia pero profundo en imágenes y juegos lingüísticos, me agarró a desde su primera línea. Lamentablemente ese agarre se fue debilitando a medida que desarrollaba la pieza, principalmente por su discurso panfletario. Un desacierto para la dirección de Villanueva cuyo énfasis en el discurso truncaba el fluir escénico. Era más interesante cuando no se hacían referencias específicas y se dejaba al público componer el rompecabezas presentado. Aún así fue un trabajo de alto nivel.

La segunda muestra constó del monólogo: Cosas que encontré en el camino de Iván Acosta, presentada por el Centro Cultural Cubano (Nueva York), hábilmente dirigida por Mario Colón y magistralmente actuada por el uruguayo Frank Rodríguez. Un hombre acompañado de una maleta va narrando sus experiencias a través de los objetos que carga en ella. Una premisa sencilla por demás, que confirma que cuando todos los elementos creativos de una puesta en escena convergen, el resultado es una experiencia artística gratificante. Hay un planteamiento de dramaturgia, asequible y honesto, con un alto sentido del humor e intensa verdad. Elementos que el director elevó con un montaje dinámico, apasionante y sobre todo bien pensado. El director estampó la pieza con propios tiempos y códigos, brindándole al actor las herramientas para el juego que establecía la complicidad con el público. Juego que Frank Rodríguez controla desde que entra al escenario. Su dominio de las emociones, los niveles en las historias que narra e impresionante acento cubano hiceron que ésta fuera para mí y para muchos en la sala, punto de mayor disfrute de la velada.

Cabe mencionar la hábil utilización del espacio y sobre todo de la maleta. Rodríguez convirtió ésta en otro personaje (un hombre que golpea a una mujer, un niño que cae en las vías del tren, un hermano que regresa para salvar a un travesti de tirarse de un puente…), logrando fluidez total de la historia. ¡Bravo!


La noche terminó con el grupo organizador del festival: Teatro Retablo. Estos nos brindaron: La Espera de Gloria Parrado, dirigida por Gabriel Gorcés y protagonizada por David Ponce y Carlos Valencia.

Dos hombres se encuentran en la celda de una prisión. Uno (Gilbert) con cadena perpetua por un crimen que “no” cometió, y el otro (Ramón Langostino) un ladrón de poca monta que cada cierto tiempo tiene contacto sexual con su mujer. La trama es una donde la fantasía se entremezcla con el deseo. Langostino ha alimentado la pasión de Gilbert a través de las historias de los encuentros con su mujer logrando que Gilbert sienta el impulso de ir al encuentro de ésta ocupando el lugar de Ramón. Una intensa propuesta que requiere total conexión entre los intérpretes. Ambos son actores muy talentos pero desafortunadamente la conexión entre ellos en la función del jueves fue intermitente. Y es una pena porque la pieza cuenta con todos los elementos para ser un tour de force entre actores. David Ponce logra los mejores momentos del trabajo con un Gilbert entre la angustia y la demencia. Mientras Carlos Valecia nos da un Ramón Langostino demasiado externo y carente de verdad. Gran parte del problema se debe a la dirección unidimensional de Gabriel Gorcés, la intensidad de su propuesta se tradujo a gritos entre los actores olvidando la tensión sexual que la autora presenta y describe detalladamente. Gorcés movió muy bien sus piezas en el escenario pero su lectura es una superficial. Puede que hayan sido los nervios del estreno…

Aplaudo a Gabriel Gorcés porque su compromiso por el buen teatro Latino es evidente. Felicidades a Retablo Teatro por ésta experiencia llena de agradables sorpresas.